Образно-смысловая система средневекового искусства выражала центральную идею картины мира средневекового человека - христианскую идею Бога. Искусство воспринималось как своего рода библейский текст, легко "читаемый" верующими посредством многочисленных скульптурных и живописных образов. ("Архитектура и скульптура средних веков были "Библией в камне"... Живопись выражала те же библейские темы в линии и свете" - П. Сорокин). Поскольку языком Библии и богослужения была латынь, незнакомая большинству мирян, скульптурные и живописные образы имели дидактический смысл - передать верующим основы христианской догматики. В храме перед глазами средневекового человека развертывалось все христианское учение. Идею греховности мира отражал ведущий сюжет в оформлении церквей, скульптуры и рельефов - сцены Страшного суда и Апокалипсиса. Взирая на собор, средневековый человек мог как бы читать святое Писание в изображенных там образах. То же изображение Страшного суда наглядно представляло богословскую схему иерархического строения мира. В центре композиции всегда изображалась фигура Христа. Верхнюю часть занимало небо, нижнюю - земля, по правую руку Христа находился рай и праведники (добро), по левую - осужденные на вечные муки грешники, черти и ад (зло).
Идея превосходства духа над телесным, плотским представлена в аскетизме образов монументальной живописи и скульптуры, их суровости и отрешенности от внешнего мира. Предельная условность всей образной системы средневекового искусства нашла отражение в канонах построения человеческой фигуры: линейность, торжественная неподвижность, удлиненность овала лица и фигур, широко открытые глаза ("зеркало души"), "бестелесность", бесплотность фигур. Средневековая живопись не знает перспективы, открывающей глубину картины. Перед зрителем плоскостное развертывание композиции и единственное зримое движение - восходящее, устремленное к небу.
Важнейшей чертой средневекового искусства является символизм. Скульптурный или живописный образ - это прежде всего символ, некая религиозная идея, запечатленная в камне или красках. Символичен весь образный строй средневекового искусства (длинные, почти бесполые тела апостолов и святых выражают идею о преодолении духовным началом грешной материи - плоти).
Разномасштабность фигур - еще одна особенность средневекового искусства. Размер фигур определялся иерархической значимостью изображенного (что, кстати, позволяло легко "узнавать" изображенные персонажи). Христос всегда больше апостолов и ангелов, которые, в свою очередь, больше простых мирян.
Романский и готический стили. Термин "Романский стиль" условен, он возник во Франции в первой половине XIX в., когда была обнаружена связь средневекового зодчества с характерной для римской архитектуры аркой. Создателями романского стиля стали монастыри и епископские города. Церковь в этот период сводила задачу искусства к необходимости показывать не зримую красоту, а подлинную красоту духа. Эстетический идеал, возникший в романском искусстве, вся образно-смысловая система романики призваны были решить поставленную задачу. Контраст между тяжеловесными, приземистыми очертаниями собора и духовной экспрессией его образов отражал христианскую формулу красоты - идею превосходства духовного над телесным. Романский собор являл собой символ твердыни человеческого духа в искусстве. Архитектура, росписи, рельефы дверей необходимо дополняли друг друга, составляя единство, основанное на подчинении малого большому, отражая принцип средневековой иерархии. романский стиль (к. X - XII вв.) стал первым общеевропейским стилем. Это исторический стиль зрелого Средневековья, характеризующийся общностью типов построек, их конструктивных приемов и выразительных средств. К числу выдающихся памятников романской архитектуры относятся собор Нотр-Дам в Пуатье, соборы в Тулузе, Орсинвале, Арне (Франция), соборы в Оксфорде, Винчестере, Нориче (Англия), собор в Лунде (Швеция). Образцами поздней романики стали соборы в Вормсе, Шпейере и Майнце (Германия).
Эпоха готики (конец XII - XV вв.) - это период, когда в средневековой культуре все большую роль начинает играть городская культура. Характерные черты готической скульптуры могут быть сведены к следующему: интерес к явлениям реального мира; фигуры, олицетворяющие догматы и верования католической церкви, становятся более реалистичными; усиливается роль светских сюжетов; появляется и начинает играть главенствующую роль круглая пластика (хотя рельеф не исчезает). Готическое искусство с его интересом к явлениям реального мира, усилением роли светских сюжетов, стремлением к жизненной выразительности, конкретности скульптурных образов подготовило расцвет искусства Ренессанса.
«Роман о Розе»
В XIII веке крупнейшим произведением куртуазной культуры стала поэма «Роман о Розе», написанная около 1230 рыцарем Гильомом де Лоррисом (около 1210—1240) и представляющая собой куртуазно-любовную аллегорию, своего рода «словарь символов» любви. Продолжив тему, начатую Овидием, Гильом де Лоррис обыгрывает малейшие оттенки любовного чувства. Цель автора — воплощение возвышенного идеала куртуазной любви, переживания его героя — возвышенны и утончённы, описания природы и чувств — в высшей степени поэтичны. Юный герой романа находит чудесный сад, за стенами которого ведут хоровод прекрасные девы, водимые Весельем. Праздность впускает рыцаря в этот сад Наслаждений, где в Источнике Любви, у которого погребён Нарцисс, он видит отражение Розы. Его тотчас поражает стрелой Амур — отныне влюблённый обречён Розе — и, обратив его в вассала, поучает, как добиться желанной цели. Приветливость, Дружба, Жалость, Искренность помогают герою, Злоязычие, Страх, Стыд и другие охраняют от него Розу. Юному рыцарю удаётся добиться от Розы поцелуя, но Злоязычие пускает об этом слух, и Ревность воздвигает вокруг Розы башню, в которой запирает и Приветливость. Жалобой Влюблённого заканчивается часть, написанная Гильомом де Лорисом. Сюжетную линию, оборванную Гильомом, через 40 лет после его смерти закончил учёный горожанин Жан де Мен (Жан Клопинель, или Шопинель, из Мена; около 1240—1305). Теперь в романе появляются новые действующие лица: Лицемерие, Природа, Радость, которые поучают влюблённого на его пути к Розе. Лицемерие душит Злоязычие, Щедрость и Вежество стараются освободить Приветливость, которую Стыд и Страх вновь заключили в башне. Перед башней разыгрывается бой, и одержать победу влюблённому помогает Природа. Он срывает Розу и просыпается.
Категория стиля настолько универсальна, что всю историю мирового искусства можно рассматривать как историю художественных стилей. Стиль – не постоянная и неизменная структура, а живой художественный процесс. Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому чистых стилей вообще не бывает.
И только области творческой деятельности, теснее всего смыкающейся с материальной жизнью – прикладное искусство, традиционные художественные ремесла, дизайн – являются отражением времени и места своего рождения. Таким образом, распространенное мнение о том, что подлинное искусство всегда отражает жизнь эпохи, особенности исторического этапа развития общества весьма спорно.
Стиль – это единство, целостность содержательных и формальных элементов, с помощью которых непосредственно создается художественное произведение. В художественном стиле все элементы не случайны, а связаны между собой. Именно поэтому натурализм не имеет стиля. По этой же причине трудно говорить о стиле живописи импрессионистов. Стиль есть исторический синтез образных представлений идеального мира. Вот почему понятие "реализм", "модернизм", не может быть названием стиля. Чем менее натуралистично художественное произведение, тем оно более стильно. Чем выше ясность, чистота композиционных связей, чем они полнее проявляются, тем выше стилевое качество произведения искусства.
«Стили в искусстве» Власова В. Г., которая послужила основой для написания работы. Кроме того, для более подробного рассмотрения некоторых культурных эпох, были использованы книги по общей истории и истории культуры, такие как «История античной культуры» Зелинского Ф. Ф
Отдельно следует упомянуть о так называемом «Большом стиле», сформировавшимся и получившим распространение во Франции в годы правления Людовика XIV – с 1643 по 1715 гг. В этом стиле соединились элементы классицизма и барокко. Своеобразным строем «Большой стиль» выражал идеи торжества сильной, абсолютной королевской власти, национального единства, богатства и процветания. Художникам давались прямые указания прославлять неограниченную власть, не считаясь со средствами. Новые идеалы абсолютизма и должен был отразить «Большой стиль». Им мог быть только классицизм, ассоциирующийся с величием древних греков и римлян. Но строгий и рациональный классицизм казался недостаточно пышным для выражения торжества абсолютной монархии. В Италии в это время господствовал стиль барокко. Поэтому закономерно, что художники Франции обратились и к формам современного итальянского барокко. Но во Франции барокко не могло столь мощно, как в Италии, вырасти из архитектуры классицизма. С эпохи французского Ренессанса XVI в. в этой стране утвердились идеалы классицизма, влияние которых на развитие искусства не ослабевало вплоть до конца XIX в. В этом состоит главная особенность «Большого стиля»
55. Стиль барокко сформировался вслед за плеядой разрушительных войн, в условиях социальной несправедливости, на почве контрреформации и просуществовал с 1600 по 1750 годы. Барокко воплотил в себе чувство падения ренессансных идеалов, а также обостренное осознание социальных, религиозных и экономических кризисов, переживаемых Европой в эту эпоху. И хотя художественная коцепция барокко и сохраняет гуманистическую направленность Возрождения, но, в отличие от последнего, она отмечена печатью трагизма, пессимистичности, бессмысленности жизни, сомнением в силе человека, обреченностью существования. Возрождение восхищается человеком и его бытием, барокко сомневается в ценности жизни, воспринимая ее как театр.
Стиль барокко медленно вызревал в архитектуре и скульптуре Высокого Возрождения. Его основателем стал Микеланджело, поскольку в его статуях, зданиях, рисунках происходит, одновременно, возврат к духовным ценностям Средневековья и последовательное открытие новых принципов формообразования. В его произведениях впервые проявился один из первых признаков искусства барокко: избыточность средств и смешение масштабов. По его проекту был построен собор Святого Петра в Риме, монументальный декор которого создал Л. Бернини
В это время возникла идея о том, что чем неправдоподобнее произведение искусства, чем резче оно отличается от увиденного в жизни, тем оно интереснее с художественной точки зрения. Все ясное и простое стало казаться скучным и унылым, а необычное, неясное и призрачное красивым, привлекательным, и именно это понятие красоты стало основой стиля барокко.
Эпоха барокко – это мир крайностей, контрастов возвышенного и земного, прекрасного и низменного, пышной метафоры и уродливого факта. Драматизм стиля барокко заключается в столкновении языческого мироощущения и чувственности, накопленной эпохой Возрождения, с духовными порывами, откровениями, стремлением вырваться за физические пределы материи. Повышенная экспрессивность, мистицизм, иллюзионизм, имматериальность, свойственные католическому мироощущению нашли свое отражение в барокко.
В эпоху барокко мировоззрение человека не просто было расколото, но окончательно потеряло цельность и гармоничность. Мировоззрение, мироощущение человека постигло глубину, внутреннюю противоречивость бытия, человеческой жизни, мироздания. Барокко – это пышность, декоративность, величие, замысловатость, текучесть, порыв, страсть, экстаз, артистизм, личностность. Оно было призвано возвеличивать католическую церковь и короля.
Поможем написать любую работу на аналогичную тему