В эту эпоху завершился процесс локализации больших художественных национальных школ, своеобразие которых определялось как условиями исторического развития, так и художественной традицией, сложившейся в Италии. Фландрии. Голландии. Испании, Франции. Это позволяет рассматривать XVII в. как новый этап в истории искусства. По сравнению с эпохой Возрождения искусство стало сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания искусства. Титаны, воспетые художниками Возрождения. уступили место человеку, осознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, эмоциональным и психологически сложным.
В искусстве господство мифологической и культовой тематики уходит в прошлое. Меняется сама типология искусства, т. е. развитие отдельных его видов и жанров. Если в эпоху Возрождения перевес был на стороне искусств пространственных (архитектура, живопись, скульптура), то в XVII в. интенсивно развиваются временные искусства - литература, театр, музыка. Реальная жизнь раскрывается художниками этого времени в многообразии драматических коллизий и конфликтов, гротескно-сатирических и комедийных ситуаций. В литературе XVII в. - время расцвета трагедии и комедии (Кальдерон, Корнель, Расин, Мольер).
Получает новое истолкование понятие синтез искусств. Отдельные виды искусства, как и отдельные произведения, утрачивают обособленность и стремятся к соединению друг с другом. Здания органически включаются в пространство улицы, площади, парки. Скульптура становится динамичной, вторгается в архитектуру и садовое пространство. Декоративная живопись пространственно-перспективными эффектами дополняет то, что заложено в архитектурном ансамбле, интерьере.
Сложные отношения и борьба социальных сил порождают и разнообразие художественно-идейных стилей. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство развивалось в рамках однородно больших стилей (романский стиль, готика. Возрождение) XVII в. характеризуют сразу несколько стилей: барокко, классицизм, реализм, "внестилевое" творчество.
Что такое барокко? В собственном смысле слова термин "барокко", никогда не применявшийся в XVII в., относится к архитектурному стилю, который возник в Риме и распространился во многих странах. Из архитектуры это слово перешло в скульптуру, живопись и другие формы духовной жизни эпохи. Принято условно ограничивать период началом XVII в.. с одной стороны, и серединой XVIII в. - с другой (но не все, созданное в этот период, относится к барокко). Одним из самых тонких анализов барокко является работа Г. Вельфлина "Основные понятия истории искусства" (1915; русский перевод - 1930. 1994). Вельфлин различает два абсолютно различных способа видения: ренессансный классицизм и барокко XVII в. Он выделяет пять пар понятий:
1. Стиль классицизма линеен, он придерживается границ предмета, определяя и изолируя его. Стиль барокко живописен, предметы естественным образом сливаются с окружением.
2. Стиль классицизма строится при помощи плоскости, стиль барокко - при помощи пространственной глубины.
3. Классицизму присущи замкнутые формы, барокко - открытые.
4. Единство стиля классицизма есть множественное единство отдельных элементов; единство стиля барокко является цельным.
5. Классицизм стремится, прежде всего, к ясности, тогда как барокко саму сущность персонажей подчиняет их взаимоотношениям.
Предложенная Вёльфлиным оппозиция - это оппозиция тактильного и визуального, скульптурной сущности классицизма и живописно-тонального барокко.
Наиболее общий характер в XVII в. имеет понятие реализма. Эта категория служит для определения жизненности, правдивости произведений искусства. Представители данного стиля очень разнородны, что позволяет сделать вывод только о зарождении реализма в XVII в. Его развитие произойдет в последующие столетия. Заметная разноголосица мнений о смысле бытия приводит к "чересполосице" и в стилевых системах, стили развиваются не обособленно, а, переплетаясь, что затрудняет определение принадлежности художника к ним. Например, творчество Веласкеса, Рембрандта находится вне стилевых категорий.
Италия. Живописцам этой страны принадлежит заслуга в создании новых художественных стилей. Ключевой фигурой не только итальянской, но и европейской живописи XVII в. был Микеланджело да Меризи, по прозванию Караваджо (1571-1610). Им была совершена подлинная революция в форме и содержании европейской живописи. Караваджо начал работать самостоятельно в последнем десятилетии XVI в., когда наиболее распространенным художественным стилем в Италии, да и во всей Европе, был поздний маньеризм. Этим термином обычно определяется направление в искусстве XVI в., которое развивало стиль великих мастеров первой четверти столетия, прежде всего Рафаэля и Микеланджело. Поиски маньеристов, вначале новаторские и антиконформистскис, впоследствии обратились в стиль условный и поверхностный, пути дальнейшего, развития которого были исчерпаны.
Живопись Караваджо возникла и как реакция на маньеризм - он попытался пойти новым путем, избрав направление реализма или - в терминологии той эпохи - натурализма (лат, "природа, естество, натура"). Принципу идеализации образа Караваджо противопоставляет индивидуальную выразительность конкретной модели, аллегорическому истолкованию сюжета - непредвзятое изучение натуры в простом бытовом мотиве.
Караваджо внес огромный вклад в создание новых видов живописи -натюрморта и бытового жанра (изображение повседневной жизни). Для стиля художника характерны темные фоны, падающий свет, экспрессия светотени, а также тематические пристрастия (сцены в таверне, игра на лютне, гадалки). Влияние Караваджо на европейскую живопись огромно - без него не были бы такими, какими они стали, три других великих живописца XVII в. - Веласкес, Рембрандт и Вермер.
Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим. Истоки этого стиля заложены в позднем творчестве Микеланджело. Архитекторы барокко не вводят новые типы зданий, но находят для старых типов построек - церквей, палаццо, вилл - новые конструктивные решения, композиционные и декоративные приемы, которые в корне изменяют содержание архитектурного образа. Они стремятся к динамическому пространственному решению, к трактовке объемов живописными массами, применяют сложные планы с преобладанием криволинейных очертаний Особое внимание уделяется разработке типа храма, в котором уже с конца XVI в. нарастают черты барокко. Активизируется и внутреннее пространство храма, выделяется и расширяется центральный неф. Мощные профилированные карнизы, уходящие вглубь, создают движение к алтарю и центральному куполу. В XVII в. архитектурные формы становятся еще динамичнее.
Барочный принцип живописной картинности наиболее последовательно проявился в скульптурных алтарях, в создании которых Дж. Бернини (1598-1680) не имел себе равных. Его алтарная группа "Экстаз св. Терезы" (1645-1652) стала своего рода образцом скульптуры этого стиля.
Испания. Конец XVI в. - начало XVII в. - это период блестящего расцвета испанской культуры, ознаменовавшейся деятельностью Тирео де Молина, Лопе де Вега, Сервантеса, автора бессмертного "Дон-Кихота" (1606-1615) - подлинной энциклопедии народной жизни Испании XVII в.
В Испании подъем искусства наступает позднее, чем в Италии и Нидерландах. Испанские художники стремились передать такие черты национального характера, как сознание собственного достоинства, гордость, чувство чести.
Особое место в испанской живописи второй половины XVI в. - начала XVII в. занимает Эль Греко (Доменико Теотокопули, 1541-1614). Именем Эль Греко его нарекли итальянцы, когда он, родом грек, в 1569 г. приехал в Италию для учебы. Везде оставаясь "белой вороной", художник был вынужден переехать в Испанию. Живописец философского мышления и мятежных порывов, разностороннего самобытного дарования создавал взволнованные, трагические образы людей. Самое знаменитое произведение периода расцвета творчества Эль Греко "Погребение графа Оргаса" (1586-1588) передает размышления художника о смерти, о моральном подвиге, вознаграждаемом в потустороннем мире. В картине "Апостолы Петр и Павел" (между 1587 и 1592) ярко воплотилось умение мастера раскрывать характеры своих персонажей. Эль Греко был и талантливым архитектором.
В начале XVII столетия в Испании начался мощный расцвет реалистического искусства. Интерес к действительности побудил выделить в самостоятельный вид живописи не только портрет, но и бытовой жанр, и натюрморт. XVII в. вошел в историю испанской живописи под названием "золотого века". Плеяду великих мастеров открывает Хоссе Рибера (1591-1652). Эпическая монументальность отличает творчество другого живописца Испании - Франсиско де Сурбарана (1598-1664).
Самым крупным мастером "золотого века" был Диего Веласкес (1599-1660). "Художником истины" называли его современники. Среди величайших колористов прошлого ему принадлежит едва ли не первое место. Веласкес - один из первых мастеров валёрной живописи. Серые тона его картин переливаются множеством оттенков, черные - легкие и прозрачные. Яркие теплые, холодные голубые, темные почти всегда озарены ровным светом и образуют сдержанные гармонии. Достоинство колорита сочетается в картинах мастера с ясностью и величественной простотой композиции, чувством меры. Веласкес был одним из первых испанских живописцев, в творчестве которых жанровая тематика заняла ведущее место. Он создавал так называемый "бодегонес" - сцены из народного быта ("Завтрак", ок. 1617). Картиной "Сдача Бреды" (1634) Веласкес заложил основы исторической живописи на тел1у современной действительности. Веласкес был великие портретистом, составившим разнообразную галерею представителей испанского общества. Он первым из испанских художников изобразил нагое женское тело. Картина "Венера с зеркалом" (ок. 1648) - единственная испанская Венера. В последние годы жизни мастер написал две самые знаменитые свои картины: "Менины" (1656). "Пряхи" (1657)
Фландрия, Поражение революции и сохранение испанского гнета на территории Фландрии (все южные провинции Нидерландов) во многом отрицательно сказались на культурном развитии страны в XVII столетия. Резко усилилась католическая реакция. Однако порожденный нидерландской революцией подъем общественного сознания оказался слишком значительным. Во Фландрии прогрессивные тенденции воплотились главным образом в области искусства. В это время складывается художественная замечательная фламандская школа, давшая таких мастеров, как Ван Дейк, Иордане. Снейдерс, Броувер. В условиях Фландрии официальным господствующим стилем стало барокко, но существенно отличавшееся от итальянского: во Фландрии большее значение получили реалистические черты, жажда познания мира, народность, жизнерадостность, торжественная праздничность.
Главой барочной фламандской живописи был Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Его справедливо называли "королем живописцев и живописцем королей" В свободной, широкой манере, с неизменной силой декоративной фантазии он воплощал в своей живописи динамичную мифологическую сцену и картину народного праздника, красоту человека и величие природы. Колористическое богатство жизнерадостных работ Рубенса роднит его с художниками венецианского Возрождения. На всем протяжении своего творчества Рубенс работал и как портретист. Он создавал одухотворенный образ, раскрывающий внутренний мир человека ("Портрет камеристки", ок. 1625).
Франция. Со второй половины XVII в. Франция стала в художественном отношении ведущей страной Европы. Этот век дал миру великих французских мыслителей Декарта и Гассенди, корифеев драматургии Корнеля Расина и Мольера, а в пластическом искусстве зодчего Жюля Ардуэн-Мансара и живописца Никола Пуссена.
Большую актуальность в XVII в. приобрела французская литература. Драматургия Пьера, Корпели (1606-1684) сыграла выдающуюся роль в становлении французского театра. Он первым во Франции превратил трагедию в средство осмысления больших проблем общенационального значения. Лучшие его трагедии отражали напряженную политическую борьбу того времени. В трагикомедии "Сид" (1636) Корнель воспел горячие патриотические чувства, противопоставил старые родовые представления о "долге" принципам служения государственному началу, стремлению принести благо родной стране.
Самым крупным художественным стилем Франции стал классицизм. порожденный историческими условиями развития страны. Центральное место во французском искусстве занял образ разумного, мужественного человека, наделенного сознанием общественного долга. Представление о классицизме XVII в. почти не отделимо от творчества Никола Пуссена (ок. 1594-1665). Тенденции классицизма у него нашли свое полное развитие. В своих картинах художник стремился к уравновешенности и размерности композиции. Культ разума, рационалистическое истолкование единства человека и природы составляли творческое кредо Пуссена. В классицизме движущей силой являлись идея и мысль, художественные произведения строились на основе сознательного расчета. Пуссена волновала мифологическая, библейская и историческая тематика. Поиски значительного и величественного привели Пуссена под конец жизни к преклонению перед суровым могуществом природы. Создавая героический пейзаж, художник не изображает конкретную местность. Его пейзажи навеяны реальной природой, но в них нет ничего случайного, мимолетного. Они строго построены, полны эпической мощи, подлинного пафоса ("Пейзаж с Полифемом", цикл из четырех пейзажей "Времена года").
Проблема архитектурного ансамбля, стоящая почти на протяжении всего XVII в. в центре внимания мастеров классицизма, нашла свое выражение во французском градостроительстве. Смелым новатором здесь выступил крупнейший архитектор Франции - Жюль Ардуэн-Мансар (1646-1708). По его проекту были возведены в Париже площадь Людовика Великого (Вандомская) и площадь Побед. Им же создана церковь Дома Инвалидов с одним из самых красивых и высоких куполов в мировой архитектуре. С 1678 г. под руководством Мансара началось завершение строительства невиданного ранее по масштабам и роскоши ансамбля дворца и парка в Версале. Многослойность художественного образа дворца, сложный сплав архитектурных пластов пронизывают всю архитектуру классицизма. Практичность и удобства, отличавшие до этого архитектуру Франции, для Версаля не служат законом. Пышность, узорчатость, игра форм - черты барочного стиля в интерьере дворца соперничали с классической планировкой здания. Разностильность Версаля соответствовала вкусам короля. Версаль воплощал идею триумфа человеческого разума и неограниченных его сил.
Поможем написать любую работу на аналогичную тему