Художественные основы  Высокого Возрождения и причины культурного декаданса.

Как говорилось ранее, эпоха Возрождения характеризуется освобождением всех сфер культуры от давления религии и ее институтов. Христианским канонам противопоставлялись античные идеалы, поэтому особенно ярко попытка возродить античность проявилась в художественной культуре.

Итальянскому искусству этой эпохи наиболее свойственны две вещи: универсализм как метод и способ существования художника в широком смысле слова, и культ человеческого тела во всех его проявлениях,  тесно связанный с культом  свободолюбивой личности. Художник обратил свой взор на землю, утверждая активную, деятельную личность. Вследствие такой установки художник возомнил себя творцом, «коллегой» всесильного Бога. В эту эпоху важнейшей чертой творческого человека становится универсализм.

Как это выразилось в искусстве? В художественную практику вторглась предметно-чувственная сторона окружающей действительности, и, как следствие этого, в искусстве произошла подлинная революция. Если в средневековом искусстве господствовала обратная перспектива, отстраняющая зрителя от изображаемого мира, то теперь преобладает линейная перспектива, создающая иллюзию трехмерного пространства. Таким образом, искусство, также как и литература эпохи Возрождения стремится максимально приблизиться к человеку. Художники начинают активно изучать законы красоты, и затем, по мере возможности, использовать их. Именно благодаря поискам этих законов творцы Возрождения с удивительным рвением и упорством изучают естественные и точные науки – анатомию, оптику, тригонометрию. Леонардо да Винчи – воплощение возрожденческого универсализма, например, утверждал, что именно опыты позволяют формировать правила, знание которых для художника необходимо.

В результате поиска законов красоты появляется новое понимание пространства. Архитектор Брунеллески (XIVв) предлагает теоретическое обоснование перспективы: трактаты о перспективе пишут живописцы Леонардо да Винчи (конец XV начало XVIв.в.) и Альбрехт Дюрер (XVI век). «Открытие состояло не в том, что художники начали строить объемы и пространства на плоскости, пользуясь единой точкой схода, - это делали и раньше. Новшество было в том, что в годы раннего кватроченто перспектива стала принципом видения мира и его изображения в искусстве»1. И, если иконописное пространство не допускало зрителя к себе, то в эпоху Возрождения художник-творец сознательно «втягивает» живописным пространством зрителя в созданный им мир. Таким образом, именно с творчества художников Возрождения и начинается история собственно художественной картины мира, определяемой потребностью человека к самовыражению и самоутверждению. Это было началом утверждения ценности отдельной личности и началом пути к сверхчеловеку. Однако необходимо отметить, что Возрождение во Флоренции, Венеции, а также в странах севернее Италии (Франция, Германия, Нидерланды), имело свои специфические черты, которые наиболее ярко проявились в художественной культуре.

Среди итальянских мастеров следует особо выделить так называемых титанов Возрождения – Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонаротти. Леонардо в своей жизни и творчестве наиболее полно воплотил принцип универсальности. Гений его поразительно многогранен и настолько сложен, что современниками он не был понят и соответствующе признан. Главным мотивом его творчества можно назвать уравновешенное движение, которое брало начало в природе, и от нее передавалось людям. Искусство для него являлось своеобразным поиском смысла бытия, постигаемого с помощью опыта, живопись воспринималась как наука, причем первая среди прочих.

Его поэтика практически полностью воплощена в легендарном портрете Моны Лизы, где художественными средствами воплощено непостижимое единство природы и человека, бытия и духовности. За фигурой Моны Лизы изображен странный, почти сюрреалистический пейзаж (к которому, кстати говоря, очень редко обращались художники Возрождения). Пейзаж этот олицетворяет круговорот природы: циклический переход материи из твердого состояния в жидкое, а затем в парообразное. Собственно портрет в таком случае воспринимается как результат круговорота жизни и смерти. Загадочная улыбка и есть воплощение мистического уравновешенного движения природы, частью или созданием которой является человек. Леонардо был одним из материалистически настроенных мастеров Возрождения. Он стремился все узнать и все создать. Отсюда и его универсализм и беспринципный артистизм. Он то угождал сильным мира сего, то презирал их, будучи самовлюбленным эгоистом. В творчестве этого гения позднего Ренессанса удивительным образом соединились классическая четкость формы, самообожествление и трагизм осознания невозможности преображения мира.

Рафаэля справедливо считают выразителем гармонии. Для него искусство – это прорыв в другой мир, акт божественного откровения, совершаемый с помощью человеческого разума. Его многочисленные мадонны – гимн человеческой красоте, наиболее совершенным проявлением которой в творчестве Рафаэля является материнство («Сикстинская мадонна», «Мадонна Конестабиле»). Современники упрекали Рафаэля в холодности манеры письма, однако теперь, с высоты нашего времени мы можем сказать, что, стремясь к равновесию форм и содержательных моментов, он был предвестником классицизма.

Микеланджело Буонаротти – третий и последний титан высокого Возрождения. Он воплотил в своем творчестве человеческую силу, мощь, не знающую границ, крушение ренессансных иллюзий и падение великой эпохи. Он отразил неудовлетворенность и раздвоенность сильной личности, живущей в эпоху перемен. Его пластические образы полны бесконечного и обреченного движения, в них нет ни интеллектуального спокойствия Леонардо, ни строгой гармонии Рафаэля. Его герои страдают так же, как и он сам. Уже нет речи о человекобоге, Микеланджело воплощает образ сражающегося, разрывающего путы, или на мгновение застывшего с выражением мучительной тревоги на лице человека. На протяжении всей своей жизни Микеланджело без отдыха ваял из камня эти образы, как будто хотел отдать камню свое собственное отчаяние и страх перед дисгармонией жизни и неизбежной смертью. Пожалуй, самый цельный и уравновешенный образ в его творчестве – статуя Давида, гордого осознанием своего могущества.

В творчестве Микеланджело личностно-материальный космизм достигает высшей точки трагизма. У него гипертрофирована личностная сторона. Если у Леонардо изображаемые им фигуры готовы раствориться в окружающей их среде, то каждая фигура композиций Микеланджело представляет собою нечто замкнутое и обособленное в себе. К тому же, несмотря на ярко выраженную внутреннюю силу его персонажей, они статичны настолько, что это препятствует их соединению в живописные группы. Между фигурами нет внутренней связи, они разобщены. Фреска «Страшный суд» - ведущее произведение Микеланджело, отражает его духовный кризис. Художник хотел показать тщету всего земного, беспомощность человека перед божеством. Он традиционно  изображает мощные фигуры с мужественными лицами, однако они не в силах противостоять судьбе. Поэтому лица их искажены гримасами, а движения безнадежны. Микеланджело остается возрожденческим художником, но духовное в его творчестве впервые побеждает материальное. В последние годы жизни он обращается к теме оплакивания матерью Христа. Пьета Ронданини – одно из самых трагичных произведений художника. Мать прижимается к мертвому телу своего сына, ее горе страшно и бесконечно в своем безмолвии. В этом образе последний титан Возрождения воплощает еретическую трагедию одиночества.

В XVI веке победное шествие итальянской буржуазии сменилось феодальной и католической реакцией. Торговля и банковское дело сворачивались, города теряли былую мощь и независимость. В Италии началась эпоха абсолютизма. Испания, завладевшая севером и югом, управляла Тосканской и Папской областью. Наука, литература, искусство – все попало под надзор испанской инквизиции и папской цензуры. Деятельность гуманистов пришла в упадок.

Человек в позднем Возрождении еще воспринимается как античный микрокосм. Поэтому, если мир раскололся на куски, значит, участь сия не миновала и человека. Мир болен, и человек, следовательно, тоже. Упаднические настроения XVI века наиболее ярко воплотились в идейно-художественном течении, получившем название маньеризм. Его представители видели мир неустойчивым, странным, сотканным из призрачности и неразрешимых противоречий, больше похожим на трагический, мистический театр, или дурной сон. Феномен маньеризма можно назвать декадансом возрожденческой эпохи, отвергнувшей классические каноны и оптимизм. Маньеризм стал логическим завершением великого времени человекобога.

 Человеческая личность в философии маньеризма утрачивает свободу самоопределения. На смену ренессансной идее Бога как создателя приходит образ Владыки: сурового, грозного, непостижимого и недоступного во всех смыслах. Герой маньеризма – шекспировский Гамлет с его бессмертным вопросом «быть или не быть», одержимый мыслью о смерти как о процессе тления, о разложении физического бытия в смерти. Трагическое сознание героя противостоит разорванности рушащегося мира. Не случайно излюбленным жанром маньеристского театра стала трагикомедия, где каждая ситуация и каждый персонаж могут быть трактованы как трагические и комические одновременно. Истина в маньеризме множественна, она расколота на тысячи осколков, каждый из которых может претендовать на самостоятельную правду. Искусству маньеризма свойственно развитое чувство неповторимости, единственности и абсолютной ценности каждого отдельного момента, факта или детали. Все поставлено под сомнение, кроме одного очевидного факта – смерти.

Возрожденческие процессы в Венеции имели ряд особенных черт. Это было связано с особым экономическим и политическим положением  города-республики. В Венеции гораздо меньше, чем в других городах Италии, возрождалась античная культура. Это было связано с тем, что с одной стороны, в этом городе, стоящем на островах, практически не велись археологические поиски останков римской цивилизации, и художники не имели возможности наблюдать античные сокровища так же часто, как наследники более древних итальянских городов. С другой стороны, венецианцы, активно занимавшиеся торговлей с представителями других культур, не могли не испытать на себе их влияния в большей степени, чем далекой античной культуры. Венецианские художники – Тициан, Джорджоне, Веронезе и Тинторетто писали более динамичные картины и в целом использовали контрастные сочетания цветов. Если фреска «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи исключительно уравновешена по композиции и по значению, а также насыщена философским смыслом, то картина Тинторетто на тот же сюжет завораживает динамикой движения и контрастной светотенью: трагизм ситуации, изображенной на ней, выражается прежде всего на эмоционально-чувственном уровне.

В абсолютистской Франции Возрождение воплотило культуру французского двора, в Германии – сложную политическую ситуацию периода раздробленности, а в Нидерландах – эстетические пристрастия сильного в то время бюргерского класса. Однако в целом все регионы отразили стремление к универсальности, антропоцентризму и гуманизму.

Остановимся на некоторых особенностях нидерландского Возрождения, отмеченного ярко выраженным средневековым мистицизмом, многослойным философским подтекстом и не типичными для того времени средствами выражения. Два нидерландских художника прославили эту эпоху: Иеронимус Босх и Питер Брейгель-старший, прозванный Мужицким.

Иеронимус Босх писал картины на религиозные сюжеты, предпочитая тематику страшного суда или дьявольских искушений. Его полотна изобилуют фантастическими существами, он соединяет взаимоисключающие, казалось бы, несоединимые элементы (картины «Искушение Святого Антония», «Музыкальный ад»).

Питер Брейгель часто писал картины на сельские сюжеты, однако больше поражают его философско-символические картины – «Слепые» и «Падение Икара». На первом полотне изображена вереница слепых людей, которых слепой поводырь привел к обрыву, сам он уже падает. Но слепые не знают об этом, они продолжают идти к своей гибели уверенно и спокойно. В картине «Падение Икара» изображены пахарь и рыбаки; и только сбоку, при тщательном изучении, можно разглядеть торчащие из воды ноги. Произошла трагедия – упал Икар, но люди, занятые своими повседневными делами, этого даже не заметили. Для современных Брейгелю тружеников не существует уже очарования античных мифов, они живут повседневными заботами. Художник отражает эпоху зарождения новой, буржуазной культуры.