Французская живопись. Первые два десятилетия XIX в. в истории французской живописи обозначены как революционный классицизм. Его выдающимся представителем был Ж.Л. Давид (1748 – 1825), основные произведения которого были созданы им в XVIII в. Произведения XIX в. – это работы придворного живописца Наполеона – «Наполеон на Сен-Бернарском перевале», «Коронация», «Леонид при Фермопилах». Давид – также автор прекрасных портретов, таких, как портрет мадам Рекамье. Он создал большую школу учеников и предопределил черты художественного стиля ампир.
Учеником Давида был Ж.О.Энгр (1780 – 1867), превративший классицизм в академическое искусство и долгие годы противостоявший романтикам. Энгр – автор правдивых острохарактерных портретов («Л.Ф. Бертен», «Мадам Ривьер» и др.) и картин в стиле академического классицизма («Апофеоз Гомера», «Юпитер и Фемида»).
Романтизм французской живописи первой половины XIX в – это полотна Т.Жерико (1791 – 1824) («Плот "Медузы"» и «Дерби в Эпсоме и др.») и Э. Делакруа (1798 – 1863), автора знаменитой картины «Свобода, ведущая народ».
Реалистическое направление в живописи первой половины века представлено работами Г.Курбе (1819 – 1877), автора термина «реализм» и полотен «Дробильщики камней» и «Похороны в Орнане», а также работами Ж.Ф. Милле (1814 – 1875), бытописателя крестьянской жизни («Собирательницы колосьев», «Человек с мотыгой», «Сеятель»).
Важным явлением европейской культуры второй половины XIX в. был художественный стиль импрессионизм, получивший распространение не только в живописи, но в музыке и художественной литературе. И все-таки возник он в живописи.
Во временных искусствах действие разворачивается во времени. Живопись как бы способна запечатлеть лишь один-единственный момент времени. В отличие от кино у нее всегда один «кадр». Как же в нем передать движение? Одной из таких попыток запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости была попытка создателей направления в живописи, получившего название импрессионизм (от франц. впечатление). Это направление объединило различных художников, каждого из которых можно охарактеризовать следующим образом. Импрессионист – это художник, который передает свое непосредственное впечатление от природы, видит в ней красоту изменчивости и непостоянства, воссоздает зрительное ощущение яркого солнечного света, игры цветных теней, пользуясь палитрой из чистых несмешанных красок, с которой изгнаны черное и серое.
В картинах таких импрессионистов, как К.Моне (1840-1926) и О.Ренуар (1841-1919), в начале 70-х годов XIX в. появляется воздушная материя, обладающая не только определенной плотностью, заполняющей пространство, но и подвижностью. Струится солнечный свет, от влажной земли поднимаются испарения. Вода, тающий снег, вспаханная земля, колышущаяся трава на лугах не имеют четких застывших очертаний. Движение, которое раньше вводилось в пейзаж как изображение перемещающихся фигур, как следствие действия природных сил – ветра, гонящего облака, колышущего деревья, теперь сменяется покоем. Но этот покой неживой материи – одна из форм ее движения, которая передается самой фактурой живописи – динамичными мазками разных цветов, не скованными жесткими линиями рисунка.
Новая манера живописи не сразу была принята публикой, обвинявшей художников в том, что они не умеют рисовать, бросают на холст краски, соскобленные с палитры. Так, неправдоподобными показались и зрителям, и коллегам-художникам розовые Руанские соборы Моне – лучшая из живописных серий художника («Утро», «С первыми лучами солнца», «Полдень»). Художник не стремился представить на холсте собор в разное время дня – он состязался с мастерами готики поглотить зрителя созерцанием волшебных свето-цветовых эффектов. Фасад Руанского собора, как и большинство готических соборов, скрывает мистическое зрелище оживающих от солнечного света ярких цветных витражей интерьера. Освещение внутри соборов меняется в зависимости от того, с какой стороны светит солнце, пасмурная или ясная погода. Солнечные лучи, проникая сквозь интенсивный синий, красный цвет стекла витражей, окрашиваются и ложатся цветными бликами на пол.
Одному из полотен Моне своим появлением обязано слово «импрессионизм». Это полотно действительно было крайним выражением новаторства появившегося живописного метода и называлось «Восход солнца в Гавре». Составитель каталога картин для одной из выставок предложил художнику назвать ее как-нибудь иначе, и Моне, вычеркнув «в Гавре», поставил «впечатление». И несколько лет спустя после появления его работ, писали, что Моне «вскрывает жизнь, которую до него никто не сумел уловить, о которой никто даже не догадывался». В картинах Моне стали замечать тревожный дух рождения новой эпохи. Так, в его творчестве появилась «серийность» как новый феномен живописи. И она заострила внимание на проблеме времени. Картина художника, как отмечалось, выхватывает из жизни один «кадр», со всей его неполнотой и незаконченностью. И это дало толчок к развитию серии как последовательно сменяющих друг друга кадров. Помимо «Руанских соборов» Моне создает серию «Вокзал Сен-Лазар», в которой картины взаимосвязаны и дополняют друг друга. Однако соединить «кадры» жизни в единую ленту впечатлений в живописи было невозможно. Это стало задачей кинематографа. Историки кинематографа полагают, что причиной его возникновения и широкого распространения были не только технические открытия, но и назревшая художественная потребность в движущемся изображении. И картины импрессионистов, в частности Моне, стали симптомом этой потребности. Известно, что одним из сюжетов первого сеанса кино в истории, устроенного братьями Люмьер в 1895 г., было «Прибытие поезда». Паровозы, вокзал, рельсы и были сюжетом серии из семи картин «Вокзал Сен-Лазар» Моне, выставленных в 1877 г.
Выдающимся художником-импрессионистом был О.Ренуар. К его произведениям («Цветы», «Молодой человек на прогулке с собаками в лесу Фонтенбло», «Ваза с цветами», «Купание на Сене», «Лиза с зонтиком», «Дама в лодке», «Всадники в Булонском лесу», «Бал в Ле Мулен де ла Галетт», «Портрет Жанны Самари» и многие другие) вполне применимы слова французского художника Э. Делакруа «Первое дос тоинство всякой картины – быть праздни ком для глаз». Имя Ренуара – синоним красоты и молодости, той поры человеческой жизни, когда душевная свежесть и расцвет физических сил пребывают в полной гармонии. Живя в эпоху острых социальных конфликтов, он оставил их за пределами своих полотен, сосредоточившись на прекрасных и светлых сторонах человеческого бытия. И в этой своей позиции он был не одинок среди художников. Еще за двести лет до него великий фламандский художник Питер Пауль Рубенс писал картины огромного жизнеутверждающего начала («Персей и Андромеда»). Такие картины дают человеку надежду. Всякий человек имеет право на счастье, а главный смысл ренуаровского искусства в том и состоит, что каждый его образ утверждает незыблемость этого права.
В конце XIX столетия в европейской живописи сформировался постимпрессионизм. Его представители – П. Сезанн (1839 – 1906), В. Ван Гог (1853 – 1890), П. Гоген (1848 – 1903), восприняв от импрессионистов чистоту цвета, занимались поисками постоянных начал бытия, обобщающих живописных методов, философских и символических аспектов творчества. Картины Сезанна – это портреты («Курильщик»), пейзажи («Берега Марны»), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов»).
Картины Ван Гога – «Хижины», «Овер после дождя», «Прогулка заключенных».
Гогену присущи черты мировоззренческого романтизма. В последние годы своей жизни плененный жизнью полинезийских племен, сохранивших, по его мнению, первобытную чистоту и цельность, он уезжает на острова Полинезии, где создает несколько картин, основой которых была примитивизация формы, стремление приблизиться к художественным традициям туземцев («Женщина, держащая плод», «Таитянская пастораль», «Чудесный источник»).
Замечательным скульптором XIX в. был О.Роден (1840 – 1917), сочетавший в своем творчестве импрессионистский романтизм и экспрессионизм с реалистическими поисками. Жизненность образов, драматизм, выраженность напряженной внутренней жиз ни, продолжающиеся во времени и простран стве жесты (что делает возможным переложение этой скульптуры на музыку и балет), улавливание нестабильности мгновения – все это вместе создает по существу романтический образ и целиком импрессионистское видение. Стремление к глубоким философским обобщениям («Бронзовый век», «Граждане Кале», скульптура, посвященная герою Столетней войны, пожертвовавшему собой ради спасения осажденного города, работы для «Врат ада», в том числе «Мыслитель») и стремление показать моменты абсолютной красоты и счастья («Вечная весна», «Па-де-де») – основные черты творчества этого художника.
Английская живопись. Изобразительное искусство Англии первой половины XIX в. – это пейзажная живопись, яркими представителями которой были Дж. Констебль (1776 – 1837), английский предшественник импрессионистов («Телега для сена, переезжающая брод» и «Ржаное поле») и У. Тернер (1775 – 1851), картины которого, такие, как «Дождь, пар и скорость», «Кораблекрушение», отличает пристрастие к красочной фантасмагории.
Во второй половине века создавал свои произведения Ф.М.Браун (1821 – 1893), которого справедливо считали «Гольбейном XIX века». Браун известен своими историческими произведениями («Чосер при дворе Эдуарда III » и «Лир и Корделия»), а также картинами на актуальные бытовые темы («Последний взгляд на Англию», «Труд»).
Творческое объединение «Прерафаэлитское братство» («прерафаэлиты») возникло в 1848 г. Хотя объединяющим стержнем и было увлечение произведениями художников раннего Возрождения (до Рафаэля), но у каждого члена этого братства была своя тематика и свое художественное кредо. Теоретиком братства был английский культуролог и эстетик Дж. Рёскин, изложивший концепцию романтизма применительно к условиям Англии середины века.
Рёскин, связывая в своих произведениях искусство с общим уровнем культуры страны, усматривая в искусстве проявление моральных, экономических и социальных факторов, стремился убедить англичан, что предпосылками красоты являются скромность, справедливость, честность, чистота и непритязательность.
Прерафаэлиты создавали картины на религиозные и литературные сюжеты, художественно оформляли книги и развивали декоративное искусство, стремились возродить принципы средневековых ремесел. Понимая опасную для декоративного искусства тенденцию – его обезличивание машинным производством, английский художник, поэт и общественный деятель У. Моррис (1834 – 1896) организовал художественно-промышленные мастерские по изготовлению шпалер, тканей, витражей и других предметов быта, рисунки для которых исполнял он сам и художники-прерафаэлиты.
Испанская живопись. Гойя. Творчество Франсиско Гойя (1746 – 1828) принадлежит двум векам – XVIII и XIX. Оно имело большое значение для формирования европейского романтизма. Творческое наследие художника богато и многообразно: живопись, портреты, графика, фрески, гравюры, офорты.
Гойя использует самые демократичные темы (разбойники, контрабандисты, нищие, участники уличных драк и игр – персонажи его картин). Получив в 1789 г. звание придворного художника, Гойя исполняет огромное количество портретов: короля, королевы, придворных («Семья короля Карла IV »). Ухудшившееся здоровье художника послужило причиной смены тематики произведений. Так, картины, отличающиеся весельем и причудливой фантазией («Карнавал», «Игра в жмурки»), сменяются полными трагизма полотнами («Трибунал инквизиции», «Дом сумасшедших»). А за ними следуют 80 офортов «Каприччос», над которыми художник трудился свыше пяти лет. Смысл многих из них и по сей день остается неясен, другие же трактовались в соответствии с идеологическими требованиями своего времени.
Символическим, аллегорическим языком Гойя рисует ужасающую картину страны рубежа столетий: невежество, суеверия, ограниченность людей, насилие, мракобесие, зло. Офорт «Сон разума рождает чудовищ» – страшные чудовища окружают спящего человека, летучие мыши, совы и прочая нечисть. Сам художник дает следующее объяснение своим работам: « Убежденный в том, что критика человеческих пороков и заблуждений, хотя и представляется поприщем ораторского искусства и поэзии, может также быть предметом живого описания, художник избрал для своего произведения из множества сумасбродства и нелепостей, свойственных любому гражданскому обществу, а также из простонародных предрассудков и суеверий, узаконенных обычаем, невежеством или своекорыстием, те, которые он счел особенно подходящими для осмеяния и в то же время для упражнения своей фантазии».
Модерн – завершающий стиль европейской живописи XIX в. Самыми известными работами, созданными в европейской живописи XIX в. в стиле модерн, были работы английского художника О. Бёрдсли (1872 – 1898). Он иллюстрировал работы О.Уайльда («Саломея»), создавал элегантные графические фантазии, зачаровавшие целое поколение европейцев. Только черное и белое были инструментами его труда: лист белой бумаги и флакон черной туши и техника, похожая на тончайшее кружево («Таинственный розовый сад», 1895). В иллюстрациях Бёрдсли сказывается влияние японской гравюры и французского рококо, а также декоративного маньеризма ар-нуво.
Стиль арнуво, возникший около 1890 – 1910 гг., характеризуется наличием извилистых линий, напоминающих завитки волос, стилизованные цветы и растения, языки пламени. Стиль этот был широко распространен и в живописи и в архитектуре. Это иллюстрации англичанина Бёрдсли, плакаты и афиши чеха А. Мухи, картины австрийца Г. Климта, светильники и изделия из металла Тиффани, архитектура испанца А. Гауди .
Другое выдающееся явление модерна конца века – норвежский художник Э.Мунк (1863 – 1944). Знаменитая картина Мунка «Крик» (1893) – составная часть его фундаментального цикла «Фриз жизни», над которым художник работал долгие годы. Впоследствии работу «Крик» Мунк повторил в литографии. Картина «Крик» передает состояние крайнего эмоционального напряжения человека, она олицетворяет отчаяние одинокого человека и его крик о помощи, которую никто не может оказать.
Самый крупный художник Финляндии А. Гален-Каллела (1865 – 1931) в стиле модерн иллюстрировал эпос «Калевалы». На языке эмпирической действительности нельзя поведать о легендарном старце – кузнеце Ильмаринене, который выковал небо, сколотил небосвод, сковал из огня орла; о матери Лемминкяйнена, воскресившей своего убитого сына; о песнопевце Вяйнямейнене, который «напевал златую елку», Галлел-Каллела сумел передать народную мощь древних карельских рун на языке модерна.
Поможем написать любую работу на аналогичную тему